LA ÓPERA, SÍNTESIS DEL SIN SENTIDO: BENJAMÍN CANN
	Georgina Hidalgo
	Con tramas que suceden en Noruega, China, Japón, y por qué no, en México. La música contemporánea se niega a quedar al margen de las preferencias del espectador, revitalizando con sus propuestas añejos géneros de música escénica, como la ópera. Benjamín Cann tiene una visión particular sobre estas composiciones dramáticas: "A veces, la ópera me parece la síntesis del sin sentido. Música grandiosa para letras tantas veces elementales. Repeticiones textuales sólo con algún sentido musical. Seres que se mueven por un escenario como si lo hicieran por la vida y como si el único y final sentido de la misma, fuera –y lo es- emitir sonidos bellos para palabras sin sentido. Conjuntar disciplinas como si de veras fuera posible y pretender que todo tiene algún sentido más allá de escuchar música". Convencido de lo anterior, el director escénico quien ha dirigido Madama Butterfly para la Ópera de Bellas Artes, hiló el montaje Tres óperas británicas para perder la cabeza, como un reto a la cordura del espectador, tal como lo fue para él cuando aceptó el trabajo. "Lo que estás a punto de presenciar, te lo advierto, es ópera. O sea, no tiene sentido. En principio no sirve para nada, sino para el goce de quien quiera", advirtió en el programa de este peculiar montaje, que cerró el V Festival Internacional Música y Escena en la sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario totalmente llena. Tres óperas británicas para perder la cabeza une las obras King Harald´s Saga (1979), The Consolations of Scholarship (1985) y The Pillow Song (1988), de los compositores ingleses Judith Weir (las dos primeras) y Paul Barker. Sin interrupciones entre ellas y aparentemente sin una trama en común, el caos ordenado que fraguó Cann se basó en un denominador común: en cada una hay seres que pierden la cabeza. Ambición, venganza, amores ilícitos; las razones que llevaron al rey vikingo a lanzarse a la conquista de Inglaterra en el año 1066, o las que tuvo el estudiante chino para vengar a su padre, enredado años antes por un ambicioso amigo que lo hizo perder la cabeza; o las de la cortesana japonesa enloquecida por el amor hacia su padre, se enlazan mientras alrededor del escenario ocurren historias paralelas, a cargo de un cuerpo actoral conformado por Cecilia Constantino, Hernán del Riego, Tany Marcín y Roberto Sosa. Dispuestos en el escenario, una ventana dejaba al descubierto el mundo sonoro de los ejecutantes. Y a los lados, micromundos de papel, escaleras que no llevan a ningún lado, mesa larga y estudio, completaban la escenografía de este caos ordenado. Cantadas en inglés, las partituras, de rítmica difícil y melodías expresivas, demandaron cierto compromiso psicológico de las cantantes Silvia Rizo, María Huesca, Carla López Speziale, Graciela Díaz Alatriste, Zulyamir Lopezríos, Claudia Montiel y Eugenia Ramírez, y de los músicos Alain Durbecq, Mauricio Náder, Andrés Gómez y del quinteto de Alientos de la Ciudad de México; además del desarrollo de ciertas cualidades histriónicas en los directores concertadores José Areán y Ricardo Gallardo. Mientras la épica del Rey Harald era interpretada por la soprano Silvia Rizo, un divertido ejercicio corporal era ejecutado por los actores. Dos parejas cenaban, dejando al descubierto hipocresías, violencias, deseos. Artífices de una cuarta lectura, los actores diseccionan con cierto humor negro, la tragedia de la existencia humana. "Es de alguna manera el reflejo del sin sentido que parece enmarcar nuestra cotidianeidad, tan llena de repetición y aburrimiento, que se vuelve ritual. Es tan sin sentido todo, que nos pasma y no la espera de que algo cobre sentido", explica el director, especializado en las óperas de Mozart. Aún con sus coincidencias, la obra no es ilustrativa. "El director se resistió a la salida fácil de ilustrar lo que se canta", menciona la soprano Lourdes Ambriz, quien interpretó el monodrama inspirado en la historia de Sei Shonagan. Acostumbrada al trabajo con música contemporánea, con participaciones en óperas infantiles como El conejo y el coyote, de Víctor Rasgado; Aura de Mario Lavista, o Los visitantes, de Carlos Chávez; a la soprano no le pareció inusual la propuesta escénica de Cann. "Si a alguien le queda prejuicio sobre la aceptación de este tipo de montajes, seguramente es porque no ha acudido al ciclo Música y Escena. Luego de seis años, el foro impulsado por Ana Lara, ha consolidado sus propuestas y un público ávido de ellas", mencionó tras ser ovacionada por los asistentes el domingo 2 de febrero. Ensayos todo el mes de enero, estudios de partituras desde diciembre de 2002, y reuniones con el director para afinar detalles, fueron parte del proceso de montaje, para el cual Ambriz tuvo la gran ventaja de contar con el compositor Paul Barker en el país. "El trayecto escénico del personaje está dado por el texto y la música, para interpretarlo me subí al riel de la partitura. Tuve mucho trabajo psicológico al adentrarme en los sentimientos de una cortesana japonesa iniciada como solícita amante por su padre", confiesa. A punto de comenzar los ensayos para la tetralogía de Wagner El oro del Rhin, con la que se inaugurará el Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México, a Lourdes Ambriz le satisface participar en ambos extremos de la creación operística, tanto en propuestas flexibles escénicamente y con lenguajes alternativos, como en la grandilocuencia de lo clásico. "Me da la sensación que hago un trabajo completo". En todo caso, sin acordarse si habla de la ópera o de su vida, Benjamín Cann insiste: "la ópera es un sin sentido. Como enamorarse. Como comer en exceso, como gastarse el dinero si no sabemos si habrá trabajo mañana...".